domingo, 25 de octubre de 2020

· PALABRAS CLAVE

3 Palabras clave: Zootropo, Oskar Barnak, Kinetoscopio.

 

            En 1829, Simone von Stampfer diseña el estroboscopio, un instrumento que permitía ver un objeto que estaba girando como si estuviera inmóvil o moviéndose muy lentamente. Este invento consistía en una lámpara que apuntaba al objeto en movimiento y se apagaba y encendía con una frecuencia igual al número de revoluciones por minuto a las que giraba el objeto. Simultáneamente, Joseph Plateau, consiguió crear el fenaquistiscopio, primer juguete óptico que permitía reproducir el movimiento de una imagen, en 1832, que se basaba en el efecto de la persistencia de la visón. Este aparato consistía en un disco giratorio de cartón con rendijas y una serie de dibujos que descomponen las fases de un movimiento casi una por una. El espectador se colocaba delante de un espejo como se ve en la imagen, y miraba por las rendijas mientras hacia girar el disco.




             Estos descubrimientos dieron lugar a la creación del Zootropo o tambor mágico en 1834 por William George Horner. Se trataba de una máquina estroboscópica, compuesta por un tambor circular que tenía tiras con dibujos, iguales a los del fenaquistiscopio, por dentro, con cortes a través de los que el espectador miraba mientras giraba el tambor haciendo parecer que las imágenes están en movimiento. A diferencia del fenaquistiscopio, este permitía observar a varios espectadores a la vez. Se popularizó mucho en la primera mitad del s. XIX y fue uno de los muchos avances hacia la aparición del cine.  El Zootropo fue evolucionando, se le añadió una manija y un mecanismo de cuerda que movía el tambor de forma automática.



 


            Más tarde en 1879, Edweard Muybridge desarrolló el zoopraxicopio. Esta máquina fue u gran avance hacia el desarrollo del cine. Consistía en una luz de gran intensidad que se colocaba tras un disco de crital con imágenes secuenciales, parecido al fenaquistiscopio de Plateau, que al ponerse rotar proyectaba las imágenes como una secuencia en una superficie plana y producía una ilusión de movimiento, Como una película.





En 1888 Muybridge decidió hacer una colaboración con Tomas Edison y William Dickson, inventores del fonógrafo (1870), el primer aparato que grababa y reproducía sonidos (que evolucionó en el conocido gramófono). Les propuso unir ambas invenciones en un nuevo aparato que reprodujese imágenes sonoras. Este nunca se llevó a cabo, sin embargo, Edison continuó investigando “una máquina que hiciera por el ojo lo que el fonógrafo no hacía”. 



Así, un año después y con la ayuda de su asistente, desarrolló en quinetoscopio, el precursor del proyector de película. Este aparto consistía en una gran caja de madera vertical con una serie de bobinas sobre las que corrían 14m de película en bucle. Esta pasaba ante una lámpara eléctrica por debajo de un cristal ampliador en la parte superior de la caja. Entre el cristal y la lámpara se situaba un obturador con una estrecha ranura por la que salía la luz y los fotogramas de la película a 40 imágenes por segundo, recreando movimiento. Sin embargo, este aparato carecía de cámara proyectora y solo permitía un espectador a la vez.


              
Simultáneamente, Dickson, Edison y su equipo diseñaron el quinetógrafo, una cámara de cine con movimiento de una película intermitente, que permitía grabar imágenes en movimiento, capturando la luz de una escena mediante un obturador y grabándola en una película flexible de unos 15 metros. Capturaba 40 fotogramas por segundo. Estas películas eran las que después se situaban en los quinetoscopios.


            En 1891, George Eastman dio un gran avance en la fotografía cuando lanzó al mercado la primera cámara que usaba una película de carrete similar a usada en los quinetoscopios, con capacidad de 100 fotografías en negativo, con foco fijo y 1/25 de velocidad de obturación. Hasta el momento, los fotógrafos tenían que preparar los soportes en los que iría el negativo y revelarlos por si mismos. Esta cámara fue una gran innovación ya que no hacía falta preparar nada y después de 100 exposiciones, las cámaras se enviaban a las fábricas para su revelado. Eran móviles pero pesadas. El modelo Kodak Pocket (1895), fue la primera cámara hecha parcialmente de aluminio con película en rollo, esto aligeró su peso y facilitó su funcionalidad.

 



A partir de entonces las cámaras sufrieron numerosos avances, en forma, peso y soporte sobre el que se realizaba la exposición. Entre otros, destaca el surgimiento de las cámaras cinematográficas. En 1913 Oskar Barnack diseñó la primera cámara fotográfica de 35 mm, la Ur-Leica, que solucionaba el problema del tamaño y peso de las cámaras para poder realizar fotografías en el exterior. El formato de la película era de 35 mm, como la que se usaba en el cine, disponía de lentes de alta calidad que permitían obtener positivos ampliados a partir de los negativos. Fue el primer fotógrafo en captar la relación entre hombre y natualeza. En su honor se crearon los premios Oskar Barnak para fotógrafos que son capaces de ver las cosas desde un punto de vista diferente y de expresar sentimientos con una simple imagen

Kodak Pocket


    
  Leica


 

 

 

lunes, 19 de octubre de 2020

ACTIVIDADES LECTURA DE LA IMAGEN FIJA

ACTIVIDAD 1: Describe las siguientes imágenes siguiendo estas tres

pautas:

1) De manera objetiva.

2) Formato.

3) Grado de iconicidad.

4) Además de: autor, técnica, fecha...

 

 

Brassaï

 

 

Se trata de una fotografía en blanco y negro en la que aparece un espejo rectangular en una pared de un dormitorio que ocupa prácticamente toda la imagen, en su esquina derecha se ve una mesita con un florero cilíndrico y un cenicero circular delante, en el espejo se ve reflejada una cama con una mujer acostada y girada besando a un hombre un poco levantado pero también acostado detrás de ella, entre la cama y el espejo hay un espacio con una silla con ropa, que queda cortada por el lado izquierdo de la fotografía pero se ve reflejada en el espejo. La imagen está girada ligeramente en un ángulo de no más de 10 grados por lo que el espejo aparenta estar torcido. Tiene un formato rectangular en vertical. Un grado de iconicidad 7. 

 

 

Klimt



Se trata de una pintura modernista, un óleo con laminas de oro y estaño sobre lienzo del 1907-08, realizada por Gustav Klimt. En un formato rectangular vertical En la imagen se representa figurativamente en el centro a un hombre de pelo negro de pie, con el cuello doblado ocultando el rostro; abrazando y dándole un beso a una mujer pelirroja a su izquierda que está de rodillas, a quien si vemos la cara, con los ojos cerrados. Ambos se sitúan en un campo de flores multicolores y van ataviados con trajes largos amarillos con manchas de color, rectangulares (el hombre) y florales (la mujer). En el cuadro predominan los colores amarillos, mostazas, ocres… y sus complementarios, para producir contraste. Tiene un grado de iconicidad 5.

 



ACTIVIDAD 2: Busca cuatro obras de arte, una cuyo formato sea vertical, otro horizontal, otro cuadrado y el último, circular. Explica las distintas sensaciones que te produce cada una.

 

Vertical: Margaret Brooke White me produce una sensación de equilibrio, dureza y elevación. Me hace centrar la mirada en las caras de los trabajadores y sus cuerpos.

 

Margaret Bourke-White | International Photography Hall of Fame

 Horizontal: Martin Parr, me transmite calma y comodidad debido a que es la forma natural de nuestra visión. Combinada con alegría producida por el contraste y la calidez.

 


 Cuadrado: Diane Arbus, me da una sensación de estabilidad, y de gran importanciade la figura central.

 

expo recomendada: diane arbus fotografió lo que nadie veía | lamono magazine

 Circular: Caravaggio, me transmite un movimiento continuo y poco estático.

 

La cabeza de Medusa - Wikipedia, la enciclopedia libre


ACTIVIDAD 3: Busca 4 imágenes de internet distintas que tengan distintos grados de iconicidad.

Grado:        6                                    10                           1                                  8               

 

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miércoles, 7 de octubre de 2020

¿Quién fue Robert Demachy y su efecto niebla?

Robert Demachy (1859-1936), fue un innovador fotógrafo francés que trabajó el estilo pictorialista. Alteraba sus fotografías hasta el punto de que pareciesen pinturas. Fué mas allá del negativo a partir del cual experimentaba imprimiendo distintas técnicas plásticas para cambiar la imagen.




 En cuanto al pictorialismo, se trata de un movimiento fotográfico de que surgió a finales del 1880, principalmente en Europa, Japón y EEUU, y se desarrolló a nivel mundial. Supone hablar de más que lo hay dentro de una imagen, pasando de la definición de esta como una simple captación de la realidad, convirtiéndola en una obra de arte. Los pictorialistas se distanciaban de la realidad, imitaban la pintura y la escultura elevando la fotografía al rango de arte. Solían usar métodos como difuminar la imagen o “efecto niebla” (efecto flue).


De esta manera conseguían que cada imagen fuese única, su propia interpretación de la realidad. Rompían con la fotografía como algo que se podía reproducir de forma infinita, aportándolo un “aura”especial. Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica de Kodak que se extiende por todo el mundo sin necesidad de conocimientos técnicos para su uso. 

 


Se inspira en la Fotografía academicista, que reivindicaba el valor de esta como uno equivalente al de obras de arte u otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura). Formalmente, la resolución de la imagen borrosa y los temas elegidos, señalan una fuerte influencia del Impresionismo (movimiento pictórico que acababa de surgir) se podría considerar el pictorialismo como el equivalente al impresionismo en la fotografía.

 

 

EL EFECTO NIEBLA 

            

Existían varios métodos para conseguir dicho efecto, estos eran: 

 

1.     Se colocaban filtros, pantallas… delante de la cámara para impedir una visión clara. 

2.     Jugaban con las luces y las sombras.

3.     No enfocaban a propósito para provocar un efecto similar a la pintura impresionista.

4.     Se utilizaban elementos que no correspondían a las cámaras fotográficas empleadas en la época (como objetivos antiguos muy imperfectos o la cámara oscura sin objetivo).

5.     También alteraban la fotografía en la fase de revelado y positivado. Usaban papel especial y añadían carbón, bromóleo, goma bicromatada u otros pigmentos a las emulsiones.




domingo, 27 de septiembre de 2020

La realidad según Morfeo

“¿Qué es real? ¿De qué modo definirías real? Si te refieres a lo que puedes sentir, a lo que puedes oler, a lo que puedes saborear y ver, lo real podría ser señales eléctricas interpretadas por tu cerebro.”

 

Dicha explicación es la que le ofrece Morfeo a Neo en la película Matrix cuando entra en el constructor (un programa de carga para crear cosas en la Matrix) tras haberse tomado la píldora roja y haber entrando en la verdadera realidad. 

 

        Aplicando al arte esta definición, la realidad es representada de la manera que la perciba el artista ya que se trata da interpretación de señales eléctricas que cambian dependiendo de la persona. Por ejemplo, Picasso, en sus obras cubistas (Las señoritas de Aviñón, La orquesta, La señorita que llora) representaba la realidad desde todos los puntos de vista que podía en un solo plano; o Dalí, quien representaba sus sueños como una realidad; o Kandinsky, quien representaba la realidad en sus improvisaciones, que son expresiones espontáneas de emociones interiores, que concebía como imágenes parciales y débiles y no como formas de objetos definidos; o Boccioni, el cual representaba la parte caótica de la realidad y de las situaciones u objetos más cotidianos. 

 

Todo esto son representaciones dela realidad, pero observadas desde un punto de vista subjetivo, con un trasfondo filosófico y psicológico que tal vez solamente el propio artista es capaz de percibir. La realidad puede quedarse en la primera impresión que recibimos de esta , o puede ir mucho más allá. Se trata de un conjunto de sensaciones, emociones e imágenes que nos bombardean constantemente y todas a la vez. Los que son capaces de pasar del primer plano, son aquellos pacientes, analizadores y creadores de verdades que el simple espectador no puede comprender sin que se las expliquen.  




Dalí "La tentación de San Antonio"

  Umberto Boccioni "Visión simultánea"



Picasso "Las señoritas de Avignon"


Kandinsky "Improvisación nº11"

LA FUENTE DE MACEL DUCHAMP 19217

 


 Se trata de una obra d estilo Ready-made (creado por el mismo autor en 1913 con su primera obra del estilo titulada Rueda de bicicleta), que fue adoptado rápidamente por el dadaísmo. Dicho estilo consiste en el “arte encontrado”, es decir, arte realizado a base de objetos cotidianos que generalmente no se consideran artísticos y que suelen ser alterados de alguna manera (decorados, distintos de su posición usual, forma…). 


   La imagen representa un urinario dado la vuelta, con la parte que debería dar hacia la pared apoyada en el suelo, firmado por Duchamp con el seudónimo R. Mutt y la fecha 1917 en el lateral izquierdo. 

  Esta obra era inicialmente una simple provocación a la sociedad artística, Duchamp explicó: “Les arrojé a la cabeza un urinario como provocación y ahora resulta que admiran su belleza estética…”. Se trataba de una simple burla y terminó convirtiéndose en la primera obra de arte conceptual, que dio comienzo a una oleada de arte absurdo con, tal vez, cierto trasfondo filosófico, cualquier cosa podía aparecer en un museo. 


   A día de hoy, es algo difícil de comprender ya que actualmente nos hemos acostumbrado a que cualquier cosa se llamada arte, las numerosas vanguardias mezcladas con obras antiguas y tradicionales han ido rompiendo con todos los esquemas establecidos desde el siglo XX de tal manera que ya nos hemos hecho a la idea de que arte va más allá de lo bonito y bien representado. Por lo tanto, para entender bien esta obra, habría que situarse en el contexto del 1900 y de como de chocante debió de ser para cualquier artista o espectador acostumbrado solamente al arte clásico, ver un urinario, sin mas expuesto, como cualquier otra obra, menuda revolución del pensamiento.

 

 




viernes, 25 de septiembre de 2020

Análisis de dos obras conceptuales


"La traición de las imágenes" de René Magritte, 1928-29 y "Una y tres sillas" de Joseph Kosuth, 1965


La primera imagen es, sencillamente, la representación de una pipa, hace alusión al objeto a. Esta obra de arte invita a reflexionar a cerca de la paradójica idea de si la imagen representada es o no realmente una pipa, ya que el autor lo niega justo debajo con la frase "Ceci n'est pas un pipe" - "Esto no es una pipa". Entonces, ¿es o no es una pipa?. La respuesta es muy simple, no es una pipa ya que no cumple las funciones de dicho objeto. La definición concreta de pipa es: "utensilio para fumar que consiste en un pequeño recipiente o cazoleta, donde se quema tabaco picado, unida a un tubo terminado en una boquilla, por la que se aspira el humo", sin embargo, en la imagen de la pipa no se puede introducir tabaco, ni quemarlo, ni fumar en ella ya que es una representación plana. Por lo tanto y volviendo al principio, no es una pipa, si no la imagen de una pipa.
 


     Esta obra de arte de Ksouth, sin embargo, nos invita a reflexionar sobre cual es la verdadera silla. Presenta tres representaciones distintas del mismo objeto, ella autor utiliza un triple código de aproximación a la realidad: un código objetual en el centro (el reprende, el propio objeto), un código visual a la izquierda (la representación, imagen de la silla) y un código verbal a la derecha (lenguaje, la definición de la silla). Tras presentar estos tres conceptos ante el espectador, este debe de adivinar por si mismo a que intenta referirse el autor. La silla, descontextualizada y transformada en un objeto de museo pierde su función móvil inicial y por lo tanto deja de ser una silla como tal. La imagen no presenta volumen, así que no puede realizar la función de una silla, es simplemente una representación (como la pipa de Magritte). La definición  carece de existencia, simplemente es la esencia de la silla, pero no puede realizar las funciones del objeta ya que no es posible sentarse en una definición. En resumen los tres códigos hacen referencia a una silla, sin embargo ninguno cumple la función para la que dicho objeto fue creado, que es la de sentase en él. Entonces, ¿cuál es la verdadera silla?, ninguna de ellas. 

     Ambas obras de arte conceptualistas albergan un profundo trasfondo filosófico que contrasta con su simpleza. La primera se queda solo en el aspecto visual del objeto, sin embargo, la segunda, va más allá y cambia por completo el significado y utilidad del objeto.
















     

50 Cosas sobre mi

50 COSAS SOBRE MI



- Desde pequeña me encanta Harry Potter.
- Hablo inglés, francés y estoy aprendiendo japonés.
- Prefiero dibujar a lápiz siempre (sobre todo retratos o realismo) ya que no se me dan muy bien el resto de técnicas.
- Me encanta el anime desde que lo descubrí con unos 6 años con las Pichichi Pichichi Pitch.
- Soy una frui con todo lo relacionado a Japón hasta el punto de querer vivir ahí trabajando como sea, durante el tiempo que sea necesario.
- En toda mi vida he tenido 3 periquitos bules y tres hámsteres que se me morían al año si aguantaban o, incluso uno de ellos, al día siguiente. Ahora tengo un perro negro que es el amor de mi vida, Beemo.
- He pasado varios meses sin comer absolutamente nada de carne, muy poco pescado y muchos alimentos veganos. La vez que más duré fueron 9 meses hasta que me comí un KEBAB.
- De pequeña estaba bastante rellena, tenía un pelo horripilantemente enredoso y largo, llevaba unas gafas de rectángulo bastante horteras y encima barquees durante 3 años, pero no tenía complejos, me sentía la reina del mundo, hasta que entré en 1º de la eso y me di un golpe con la realidad bastante fuerte.
- Soy partidaria del invierno.
- Tengo una parte mala a la que suelo hacer más caso que a la buena.
- Me encanta leer.
- Soy una negada en cualquier deporte cosa que no concuerda con el hecho de que sea tremendamente competitiva y me tome muy mal las derrotas y las críticas. LOS únicos deportes que he hecho en mi vida que me han gustado han sido el baloncesto (el cual no se me daba muy bien) y la natación durante 7-8 años (que, por lo menos, no se me daba mal, pero tampoco genial).
- Toqué la guitarra durante 6- 7 años, aun que tuve que empezar de cero 3 con 3 profesores distintos porque los dos primeros me enseñaron mal.
- Duermo con el mismo peluche desde los 3 años
- Soy una obsesa de la comida, me hace feliz a niveles inimaginables, pero no me gusta el azúcar casi nada.
- Tengo una pequeña pasión por la luna.
- Me encanta los olores, analizarlos sobre todo.
- Tengo un pelo muy difícil de controlar.
- Levo siempre roja la cara y la nariz sobre todo.
- He viajado a un montón de lugares distintos durante toda mi vida desde pequeña. Con mi familia, con mis amigos, o incluso yo sola.
- Me encanta el teatro y actuar.
- Desde que tengo pocos años mis padres me han llevado a museos y me han ayudado mucho, sobre todo mi padre, a acercarme al arte y a la cultura, cosa por la que les estoy tremendamente agradecida.




domingo, 17 de mayo de 2020

SINOPSIS

EL HOYO

De 2019, dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia y protagonizada por Iván Messagué.

En un futuro no mu lejano, se construye una especie de prisión llamada “el hoyo” en la que cada individuo entra por propia voluntad y por una razón distinta. Este hoyo consiste en una instalación de hormigón cuadrada de más de 100 niveles, con 2 personas por nivel y un agujero en el centro de estos por el que pasa una plataforma con la comida justa desde el primer hasta el último de ellos, confome desciende la plataforma se acaba la comida, dejando casi a partir del nivel 50 los demás sin comida. Goreng, un hombre de mediana edad, se despierta un día en el nivel 48 junto a un hombre anciano llamado Trimagasi con el comienza su tiempo cautivo. En cada nivel los integrantes pasan 1 mes, tras este tiempo, son desplazados a otro aleatorio hasta que terminen su tiempo o mueran dentro, solo se cambia de compañero en el caso de que este muera y pueden llevar consigo el objeto que elijan. ¿Conseguirá Goreng acabar su tiempo?, ¿que sorpresas o infortunios le esperan?.



MATRIX

 Primera película de la trilogía MATRIX. Lanzada en 1999, dirigida por las hermanas Wachowski y protagonizada por Keanu Reeves.

Sinopsis: La vida de Thomas Anderson, programador de una empresa de alto estigma, que tiene una doble identidad como el conocido hacker Neo, da un brusco giro cuando recibe un mensaje en su ordenador, el cual lo sumerge en la búsqueda de respuestas a las preguntas que tanto ocupan su mente ¿Qué es la Matrix?



· PALABRAS CLAVE

3 Palabras clave:  Zootropo, Oskar Barnak, Kinetoscopio.               En 1829, Simone von Stampfer diseña el estroboscopio, un instrumento ...